ECRANS de DANSE

Une vidéaste attentive

Ecrans de DANSE — 2010-08-06T07:14:53Z

Corinne Dardé, vidéaste, soutient les Ecrans de Danse cette saison en filmant chaque édition...

Corinne Dardé Vous avez envie de connaître le travail vidéo de Corinne Dardé ? N'hésitez pas, rendez-vous sur la page de son site : http://www.corinne-darde.fr
Mais tout de suite, quelques mots pour comprendre son parcours au service des images.. :
Opératrice de prise de vues issue de l'école Louis Lumière, Corinne Dardé a réalisé des documentaires de création autour de l'art et de la danse (Gao Xingjian, La danse du corps qui parle, êtres ensemble …) et des vidéos expérimentales (Try to understand , Dynamique de la grande ville...) Elle collabore également avec des chorégraphes et metteurs en scène (Compagnies Nacera Belaza, Patricia Kuypers, Emmanuel Grivet, Hapax Cie, Delphine Caron, Cie Théâtre Obligatoire..)

Site internet http://www.corinne-darde.fr

Programmation 2010-2011 des Ecrans de Danse

Ecrans de DANSE — 2010-07-10T12:31:21Z

C'est décidé, la saison prochaine des Ecrans de Danse vous présentera quelques chorégraphes qui interrogent à leur façon cette conjonction passionnante -quoique problématique- de la danse avec la musique...

Saison 2010-2011 des Ecrans de Danse : « écritures musicale et chorégraphique : croisements, transformations, créations... »

La programmation 2010-2011 des Ecrans de Danse portera sur les relations qu'entretiennent la Danse et la Musique, aujourd'hui. Il s'agira, à travers le repérage de motifs et de principes structurants (canon, contrepoint, saturation, combinatoire...) de voir de quelles façons ceux-ci opèrent dans les champs musical et chorégraphique, peuvent être générateurs d'une création.
Une attention plus grande sera portée à la question de la partition, tant musicale que chorégraphique. Celles-ci pourraient-elles s'envisager l'une en regard de l'autre pour tenter d'aboutir à une communauté d'intérêts, comme de forme : est-il possible de réunir, en une même inscription sur l'espace de la page, les notes de musique, la notation des gestes chorégraphiques jusqu'à imaginer y inclure des éléments de scénographie ? Enfin, sera posée la question de la fidélité à la notation : quelle place a l'interprète, de quelle liberté personnelle peut-il faire preuve au sein de ce qui peut apparaître, en premier lieu, comme une fixation ?... Enfin, on ne se privera pas du plaisir d'accueillir des chorégraphes comme de présenter des pièces de danse dont le rapport à la musique, sans être très directement lié à notre questionnement, contribue à la structuration chorégraphique...

Au programme : les Ecrans accueilleront cette saison :

*Rosalind Crisp pour No one will tell us... au Théâtre de L'Etoile du Nord, le samedi 2 octobre à 18H. Entrée libre.
Juste après cette édition #11, Rosalind sera sur scène avec musiciens et performers. Et comme on pense à vous, public des Ecrans de Danse, vous pourrez bénéficier d'un tarif préférentiel pour voir la pièce de Rosalind dont nous aurons discuté ensemble... http://omeodance.com/crisp/lang/en/...

*Ensuite Nicolas Maloufi nous présentera le 16 novembre ses Petites et grandes complications à Micadanses, rue Geoffroy l'Asnier (M°Saint Paul)... : http://www.cie-ma2.com/enter.html et http://www.micadanses.com/index.php...

*Puis Maud Le Pladec le 13 janvier à Saint-Brieuc nous proposera une riche discussion à propos de sa pièce Professor et du compositeur Fausto Romitelli, référence et matériau compositionnel tout à la fois...http://vimeo.com/11078961 ET http://www.lapasserelle.info/entree...

*Suivront Thomas Hauert-Cie ZOO pour Accords à Paris, au Centre Wallonie-Bruxelles, tout début février. Encore une fois, le public des Ecrans de Danse pourra bénéficier d'un tarif préférentiel pour le festival "On y Danse" du Centre Wallonie-Bruxelles, festival qui accueille et présente des chorégraphes belges au public parisien. Une affaire à suivre de près !! http://www.youtube.com/watch?v=vQJB...

*Aurélien Richard pour Hoketus : http://www.lesdesinents.fr/lesdesin... ...et ce n'est pas fini !!!...

Les partenaires enthousiastes des Ecrans de Danse :

L'Etoile du Nord-Paris
Micadanses-Paris
La Passerelle-Saint Brieuc
Le Centre Wallonie-Bruxelles-Paris
paris-art.com
France-Culture

Chaque séance sera diffusée sur France Culture en podcast, ainsi que filmée par la vidéaste Corinne Dardé :http://www.corinne-darde.fr/danse
(voir la rubrique Aux arts...etc !)

....Suivez aussi l'actualité de Ecrans de Danse sur Twitter : http://twitter.com/EcransdeDanse et sur ma page personnelle Facebook : ttp ://www.facebook.com/edwigephitoussi

à très bientôt et avec joie ! Réservation : moiedph@yahoo.fr

Edwige Phitoussi

Accords...quand Thomas Hauert interroge ce qui fait notre être-ensemble

Ecrans de DANSE — 2010-07-01T09:48:31Z

ENSEMBLE... ,

Thomas Hauert est venu présenter ce printemps, avec sa compagnie ZOO, Accords au Théâtre de la Bastille, à Paris.

Être- Ensemble

Trois danseurs entrent en scène. La lumière est nette mais douce. Ils se meuvent selon une gestuelle distincte, toute d'articulations. Une forme de trio, une allure de groupe, se constitue, alors que chacun agissait jusque-là de façon autonome. Les gestes semblent entrer dans des combinaisons, annonçant l'idée d'un autre corps, plus ample, tout aussi vivant. C'est avec la musique que naît alors sous nos yeux de spectateurs comme par magie une masse, presque homogène, enfin un organisme. Ces corps dansants, identifiables, perdent leur individualité respective dans le mouvement qui se transmet avec variations. Les identités singulières s'estompent au profit de cet organisme naissant, fait d'agrégats. C'est aussi depuis le vide, l'intervalle visible entre chaque danseur que se donne à voir cette globalité animée. Son épiphanie ne peut se manifester que sous la condition d'un "être-ensemble" particulièrement soutenu, exigeant et confiant. Etre-ensemble, principe essentiel de toute danse, et en filigrane, malgré nos société oublieuses, condition première de toute relation.
Le duo féminin suivant repose avec netteté cette question : qu'est-ce qu'une communauté en danse ? Non pas groupuscule ou parti ; mais dans l'évidence la plus simple et la plus généreuse, cet être-ensemble dépasse le motif et l'exigence de l'unisson. On voit alors dans ce prolongement du mouvement relayé de corps en corps, même et autre parce que porteur des singularités de chaque danseur et réitération de la même intention, l'extension du geste, tout autant que le développement de son espace de matérialisation : il semble se prolonger, invisible et pourtant déjà sous nos yeux, plus loin que les corps, dans l'épaisseur de l'air. Ceux-ci s'ajustent et recomposent sans cesse cette masse étonnante. Et l'on se surprend à rêver d'une société à son image et dans laquelle chaque individualité trouverait les modalités de son existence sans jamais nier celles des autres, sans jamais exercer d'autorité. Le danseur est à la fois matière et artisan de ce corps global. Le corps chorégraphique est visiblement un corps politique : la cohérence et l'unité de ce collectif ne doivent rien à l'uniformisation, ni à la hiérarchie. Le danger que pourrait représenter la pluralité et ses différences – ainsi que les rapports de pouvoir sous-jacents - s'annulent dans l'écoute absolue, permettant un « unisson improvisé » entre les danseurs. Cette attention naît autant du travail de création que soutenue par la fidélité du chorégraphe envers ses interprètes. Accords témoigne ainsi de l'inscription de chacun dans un projet commun. Cette utopie, telle que Thomas Hauert l'a voulue, se réalise sous nos yeux.... De fait, le spectateur est aussitôt conduit à penser que ce chorégraphe suisse installé en Belgique depuis plusieurs années fait aussi, indirectement, oeuvre politique au sein de ce pays traversé, comme tant d'autres, de dissensions.
Ces questions se font toujours plus insistantes lorsqu'un corps s'immisce dans l'interstice toujours vacant entre deux pendrillons : quel corps nous est donné dans l'étroitesse et la contrainte de cet intervalle, quelle liberté peut en émerger ? Enfin, que nous révèle l'intervalle de nous-mêmes, comme de notre capacité à appréhender l'altérité, fût-elle la plus grande ? Accords nous montre ici tout ce que la confiance construite à partir du groupe permet de dépasser. Idéal artistique ? Utopie politique ? Assurément, mais dans l'évidence des possibles.
Des danseurs, encore une fois, s'agrègent dans cette même qualité d'unisson, pour donner vie à cette même masse dynamique. Les formes se condensent, puis s'étirent, toujours issues du geste relayé dans le passage d'un corps à l'autre. Les plissements de ce corps global désignent subrepticement son épaisseur, sa chair qui se donnerait dans son déploiement.
Celle-ci montre au public, autre masse - invisible dans l'obscurité - ce qu'une compacité corporelle peut révéler d'invisibilité dans sa déhiscence, dans son ouverture au regard. En effet elle expose son invisible jusque-là inapparent, enfin son visible à l'état latent. A la « ténèbre bourrée d'organes » [1] qu'est le public dans l'obscurité, vient en regard cette compacité mobile d'une masse, d'un organisme global dans la danse. Celui-ci se dilate et chaque élément joue encore des intervalles qu'il expose d'un corps à l'autre. A l'image du costume résille qui recouvre en transparence le corps et souligne le mouvement, les danseurs sont les mailles qui participent du tissu commun : métonymie politico-chorégraphique. Enfin, cette résille vestimentaire joue aussi avec l'histoire de la danse : le maillot de la danse moderne s'affiche en clin d'oeil, témoignant également dans sa superposition avec le vêtement quotidien de la multiplicité des fonctions, comme des références pour un même individu. Ces correspondances viennent rappeler l'inutile de l'étiquette, mettant en lumière une fois de plus la diversité dont nous sommes tous faits. De même dans la danse, jouer des intervalles est une fois encore, donner de l'air, réengager le mouvement, lui donner un site, et permettre à chacun d'y faire sa place. Sans hiérarchie, sans autorité. Utopie heureusement concrétisée que l'on verra encore incarnée dans ces belles dynamiques collectives à l'image des vols d'oiseaux traversant le ciel. Des oiseaux donc, des bruits de crapauds, des hurlements de loups sont convoqués parmi la musique. Il ne s'agit pas d'un effet de mode quant au design sonore, mais avançons plutôt l'hypothèse d'un désir d'égalité : l'anthropocentrisme est banni, il nous faut reconnaître l'étendue du monde vivant dans lequel l'homme n'est qu'un élément parmi d'autres. L'harmonie, musicale, sonore, sociale, élargie au champ de tout le vivant est la condition de possibilité de cet être-ensemble.

Mouvements

On retiendra particulièrement trois séquences dansées singulièrement efficaces. La première, concerne un duo homme-femme sur une danse très articulée, aux allures mécaniques. Des ruptures, des syncopes tiennent en suspens notre attention. Mais jamais le corps n'est là pour illustrer la partition musicale : il devient ainsi une caisse de résonance, mieux une chambre d'échos, dans laquelle le vide et le silence eux-mêmes suscitent par réfraction le mouvement.
La seconde séquence mémorable est celle construite sur ce morceau de choix qu'est El Mandaito, une bulería de Vicente Amigo dont les joies, vivaces, ne cessent de rayonner. Pas de claquements de talons de baíladores de pacotille, pas d'imagerie destinée à séduire le spectateur en mal d'exotisme. Thomas Hauert danse avec exigence, mettant à nu les intensités, s'appuyant sur les compas [2], rendant ainsi visible cette tension typique du flamenco, entre la tenue des codes rythmiques et le duende. Chaque articulation, chaque muscle se fait tout à la fois point d'appui sur l'air, réserve sans fin d'intensités, supplément d'accent du geste. On ne peut qu'admirer cet équilibre des forces dynamiques du mouvement et de l'air, enfin d'un corps éminemment plastique en réponse à son inscription dans l'espace. Le langage peine à rendre compte de la finesse de cette buleria dans laquelle les corps prennent en charge tour à tour la mélodie ou l'accompagnement, la guitare ou les palmas, les croisant souvent dans un jeu subtil et délicat de dissociation des membres. Le public silencieux retient son souffle, frémit d'enthousiasme. Avant la fin, un trio retient le regard. Sur une sonate pour piano de Rachmaninov, celui-ci composé de deux hommes et d'une femme se construit sur la qualité des contacts de corps à corps, les transformant en appuis. Les interactions sont continues et jouent du déséquilibre : ce qui soutient - avec précarité - est aussi ce qui prolonge obstinément le geste. Il faut donc s'en remettre à cette instabilité de tout mouvement pour faire que ce dernier perdure, prolonge sa vie.

Images

Des rais de lumières viennent segmenter le plateau, formant de larges intervalles de clarté. On pense à la juxtaposition des touches, noires et blanches, d'un piano, la musique demeurant une référence majeure de cette pièce de danse. Notre oeil s'habitue à ces jeux visuels et, à son tour, comble les manques, accommode et redéfinit l'ensemble, fait naître au regard une totalité. Les mouvements sont rapides, et de la vitesse et des jeux de lumière apparaît une image des corps dansants sous effet stroboscopique : la danse semble se décomposer en gestes intermédiaires. C'est ainsi que Thomas Hauert nous montre à nu le mouvement au travail. On remarquera par la suite, dans la scénographie, un effet de symétrie : des bandes de tissu sombre pendent du fond du plateau. Les verticales textiles fractionnent encore une fois notre vision, derrière celles-ci les danseurs passent, de la marche jusqu'à la course. Leur image en devient hachurée, dans un étrange battement d'apparition-disparition imposant la fascination. L'oeil remplit les vides une fois de plus, faisant écho aux séquences précédentes. L'esprit s'amuse des accélérations, le tout nous rappelle clairement les photogrammes et le travail scientifique d'analyse du mouvement réalisé par Etienne-Jules Marey comme celui d'Eadward Muybridge. Le plateau quant à lui est avant tout une surface d'exposition quasi photographique : la danse s'y révèle, sans exhibition, avec un effet de naturel qui s'appuie sur cette écoute immense des danseurs, sur la contrainte d'une improvisation érigée en principe créateur.
La Valse de Ravel vient servir le final, époustouflant d'engagement physique, les effets dynamiques et rythmiques sont grands et traduisent le déploiement heureux du vivant. Enfin, la lumière décroît. Au presque noir, les danseurs s'estompent, le spectateur ne finit que par distinguer les taches claires des mains, pieds et visages, déjà ailleurs. Nous reste en forme d'image-écho la persistance visuelle de leurs mouvements. Marey et Muybridge esquissent un dernier pas et disparaissent. Thomas Hauert aura, avec Accords, fait le lien entre l'individu et le collectif, en conjuguant la réflexion à l'émotion, invitant chaque spectateur à se situer au sein d'une globalité qu'il engage à refonder.

Edwige Phitoussi, mai 2010.

http://www.zoo-thomashauert.be/ http://www.youtube.com/watch?v=vQJBTJ4nslk

Dates : 5 mai 2010 Festival Les Météores - CCN du Havre / Le Volcan, Le Havre (F)
11 & 13 novembre 2010 Lublin Dance Festival, Lublin (PL) (dates à confirmer)
29-30 janvier 2011 Kaaitheater, Bruxelles (B) (dates à confirmer)

notes :
1 Merleau-Ponty dans Le Visible et l'Invisible, (Gallimard, coll. TEL, Paris, 1991, p. 182) reprend la citation de Paul Valéry dans L'Introduction à la Méthode de Léonard de Vinci de Paul Valéry, OEuvres I, Gallimard, coll. de La Pléiade, p. 1224.
2 Le compás est le schéma rythmique propre à chaque style flamenco.

[1] 1

[2] 2

Une saison s'achève, déjà la suivante...

Ecrans de DANSE — 2010-05-08T20:00:53Z

La dixième et dernière édition de la saison 2009-2010 des Ecrans de Danse s'est achevée ...

Si cette saison portait sur la question de la place et du traitement de la référence en danse contemporaine, la suivante questionnera les liens vivaces et complexes qui unissent, conjuguent la danse avec la musique. Toutefois, il faudra patienter encore un peu pour une programmation détaillée...Chaque fin de saison est donc l'occasion-renouvelée- de faire entendre à des programmateurs et autres directeurs de salle que les Ecrans portent en eux une nécessité : celle évidente du chorégraphe invité qui ainsi trouve un moyen supplémentaire (et différent) de partager son travail..Celle, impérieuse, d'un public, qui a toutes latitudes pour poser les questions qui l'intéressent, y compris les plus simples, ou pour faire part de son ressenti, lui aussi générateur d'une réflexion, et partant de là, du désir qu'il a déjà ou aura pour la danse...
Chacune des éditions des Ecrans de Danse est singulière, différente. Ce qui me conduit aussi à interroger ma démarche, mes choix, à en éprouver et en vérifier la nécessité, à reconduire l'expérience des Ecrans, ceci pour une meilleure connaissance de la danse et à destination du public.
Une autre saison se profile - sous le signe de la musique, ou plutôt de ses croisements et autres frayages avec la danse !!! - avec autant de rencontres artistiques passionnantes, autant d'échanges et de partages, autant de désir, pour que vive la danse contemporaine. Sous toutes ses formes.
Edwige Phitoussi. juin 2010.

PAN ! de Lionel HOCHE aux Ecrans de Danse le 8 mai !!!

Ecrans de DANSE — 2010-04-15T07:17:47Z

Lionel Hoche viendra présenter et discuter avec le public de sa pièce Pan ! C'est début mai, très bientôt donc, et c'est une séance exceptionnelle à ne pas rater !

PAN ! de Lionel Hoche le 8 mai aux Ecrans de Danse

C'est donc samedi 8 mai que la 10ème édition des Ecrans de Danse aura lieu. J'y accueillerai avec beaucoup de joie Lionel Hoche pour sa pièce Pan !. Lionel Hoche s'empare du Rituel du serpent amplement étudié par l'historien d'art Aby Warburg, rituel hautement symbolique. A celui-ci, on ajoutera la présence sur scène d'une foule d'objets : le travail du plasticien Erwin Wurm est un des materiaux-références convoqués par l'artiste. La métamorphose chorégraphique opère à plusieurs niveaux, qu'il s'agisse par exemple du mouvement dansé, comme de l'espace scénique qui se voit augmenter d'une troisième dimension particulièrement étonnante. Il y a du monde sur scène, des objets, le tout prend une allure de bric-à-brac merveilleux : le sort en est jeté, on est enchanté.
Pour retrouver ou découvrir Pan ! et/ou Lionel Hoche, rendez-vous à tous ce samedi 8 MAI, de 11h à 13h au centre MANDAPA, 6 rue WURTZ, 75013 Paris, métro Glacière !!

Venez vivre un moment aussi passionnant qu'enrichissant, mais surtout réservez votre place (car la salle est plus petite que d'habitude ) par mail au : moiedph@yahoo.fr

EdPh

L'expo Gender Blending interroge la notion de Genre dans l'art

Ecrans de DANSE — 2010-03-02T12:31:35Z

Cette exposition qui s'ouvre très prochainement se propose d'examiner les arts visuels et vivants à l'aune de la question du Genre. Cette initiative passionnante, imaginée et conçue par Mélanie Perrier sera visible à la Galerie Michel Journiac de la fin du mois de mars jusqu'en avril....à vos agendas !!!!

GENDER BLENDING

GENDER BLENDING est une exposition clairement articulée autour des problématiques du genre en jeu dans des démarches artistiques contemporaines.

Au programme 11 ARTISTES 2 PERFORMANCES 1 CONCERT 1 WORKSHOP 1 ATELIER DRAG KING 7 VIDEOS/FILMS

Performances/Workshops

CECILE PROUST : Workshop 29 Mars-1 Avril
LES VRAOUMS : Performance-Concert le 1 Avril à 19h
MURRAY BROSCH Productions : Performance le 6 Avril à 19h
DIANE TORR : Workshop DRAG KING 12-13 Avril

Videos/Films

PAULINE BOUDRY & RENATE LORENZ /
LAURENCE NICOLA /
DAFNE BOGGERI /
CECILE PROUST & JACQUES HOEPFFNER /
ANA BORRALHO & JOAO GALANTE /

L'événement durera 3 semaines dans le Laboratoire d'exposition de l'Université d'Art de Paris 1/ Art et Sciences de l'art.

Cette “exposition”, s'espère non restreinte à une forme, permettant la circulation de paroles et un assemblage de temps différents (visibilité permanente, performance, workshop,..).
Les oeuvres et performances proposées s'articuleront autour de la réappropriation et du brouillage identitaire. Trouble dans le genre qui utilise alors le costume, les pratiques du travestissement, la création de personnage, l'utilisation d'attribut genré (Pauline Boudry&Renate Lorenz, Laurence Nicola,Cécile Proust, Les Vraoums, Murray Brosch productions) mais aussi voir ce que cette dissonance et ces réappropriations peuvent provoquer dans le corps ( Ana Borralho & Joao Galante, Dafne Boggeri, Diane Torr).
Comment les normes du genre se donnent et donnent à voir. Quels codes, imageries, icônes construisent elles ?

3 SOIREES PERFORMANCES AU PROGRAMME

Le Jeudi 1er Avril à 19h : Les Vraoums pour un concert-performance particulier

Le Mardi 6 Avril à 19h : "Boyland" performance de Murrray Brosch Productions

Le Mardi 13 Avril à 18h pour la soirée rencontre-finissage
En présence des chorégraphes, artistes et participant(e)s des worshops et ateliers.

Exposition imaginée et organisée par Mélanie Perrier

GalerieMichel Journiac
UNIVERSITE PARIS 1
47 rue des Bergers
75015 Paris
Métro : Lourmel / Javel

Tous les détails :
http://www.galeriemicheljourniac.sup.fr
http://www.laboratoiredugeste.com/s...

Ouvert du lundi au vendredi de 13 à 17 heures
En soirée les 1, 6 et 13 Avril

Daniel Dobbels aux Ecrans de Danse en Mars : RESERVEZ VOTRE PLACE

Ecrans de DANSE — 2010-02-15T18:55:40Z

Daniel Dobbels aux Ecrans de Danse en Mars !!

!

Daniel Dobbels, chorégraphe de la Cie de L'Entre-Deux présentera à l'Ecole des Arts Décoratifs (18H30, à l'ENSAD, Amphi Rodin-31 rue d'Ulm, ParisV°), sa pièce L'Insensible Déchirure , lors de la 9°édition des Ecrans de Danse. La séance s'ouvrira par une présentation de l'artiste invité, à laquelle succèdera une videoprojection de la pièce de danse, puis une discussion ....
Entrée libre sur réservation : moiedph@yahoo.fr
InFormations Pratiques : 18H30, à l'ENSAD, 30 rue d'Ulm, Paris 5° - RER Luxembourg.

Un verre amical est proposé au public à l'issue de la séance.

A vos agendas !!!

la (micro)économie de Pascal Rambert

Ecrans de DANSE — 2010-01-23T11:23:56Z

De l'artiste au blogueur, de ce dernier jusqu'au spectateur et au critique, on relèvera certains traits communs tels regarder, analyser, chercher à comprendre, avoir une opinion.... Les frontières sont parfois ténues, surtout depuis la révolution électronique. Toutefois subsiste une distinction de taille et dont la nature ne doit pas changer : l'artiste crée alors que le critique-blogueur (loin des institutions pour un certain nombre....) critique. Tel est le métier !! Ceci avec une exigence qui peut parfois surprendre. .. Retour sur une discorde intemporelle.... : souvenons-nous enfin de l'aphorisme de Beaumarchais... !

Une (micro) économie de l'histoire, un critique, un public....et quelques réactions.

Devant le concert de louanges orchestré pour cette (micro) histoire économique du monde, dansée au théâtre de Gennevilliers, on est en devoir de s'informer, de rechercher d'autres échos, du moins une pluralité de points de vue. De fait, le spectateur a le loisir de voir cette pièce à Gennevilliers, comme celui de lire ici et là ce qui s'écrit à son sujet. Chacun ainsi se fait une opinion. Toutefois, il serait juste aussi de laisser pour un temps les problématiques - certes réelles - de remplissage des salles de spectacle, pour interroger le propos d'une pièce, en vérifier la cohérence, comme la pertinence des moyens mis en œuvre... Aussi, le blog du Tadorne, grâce à la plume de Pascal Bély, fait-il le difficile travail d'une critique intègre, argumentée, étayée à propos de cette création au Théâtre de Gennevilliers. Subtilité et exigence de la tâche qui, espérons-le, ne doivent absolument pas échapper aux lecteurs de la critique comme à l'ensemble des acteurs de cette création !!!! Une critique constructive parce que lucide est du plus grand intérêt, ceci pour TOUS.
On est aussi en mesure d'attendre de chaque participant et concepteur de cette création un signe - léger, tacite, respectueux - eu égard à cette même exigence de la critique. Rappelons qu'un artiste crée, un critique critique. A chacun son métier...Enfin, si la liberté d'expression est, à juste titre, défendue par les artistes, elle ne doit pas être enlevée aux critiques....

à lire, avec soin, sur le blog du Tadorne :
http://www.festivalier.net/article-...

Alban Richard, une Fiction nommée Désir...

Ecrans de DANSE — 2010-01-02T23:33:41Z

......................Une Fiction nommée Désir..........................

(A propos de "Trois études de séparation", d'Alban Richard-Ensemble L'Abrupt, Festival d'Automne en Normandie, le Havre.)

1. Lointain /Une poétique de l'espacement

La passion envahit la scène. En regard, sur le plateau, la lumière est presque sablée, adoucie. Contraste des perceptions, jeu d'intensités musicales et visuelles : l'amour de Tristan pour Isolde enlève chacun à son quotidien, le plonge dans ce paroxysme des affects. Tout prépare ainsi à la danse, tout la désire. Dès les premières notes, le célèbre air wagnérien sert ainsi de chaîne à Lointain, premier pan de la trame qu'a choisie de tisser le chorégraphe Alban Richard pour sa dernière création, Trois études de séparation. Donc pas de lumière crue, ni de brutalité frontale ; nous est donné pour milieu celui de la pénombre. Avec elle, notre vision s'accompagne d'un supplément d'attention. Alors qu'elle se prolonge, sur le plateau deux interprètes sont à l'oeuvre. Pendant quelques minutes, rien ne les distingue, pas même le sexe. Juste des mouvements, des formes dynamiques, changeantes, qui dans un processus d'attraction, se rapprochent, puis s'évitent. Leur présence têtue se donne dans l'esquive, à peine un frôlement, pas même un contact. L'emblème de cette création d'Alban Richard – la séparation - est immédiatement tangible, s'impose au regard avec netteté. Cependant, selon l'angle de vue des spectateurs, la perspective crée une sorte de raccourci, autre leurre d'une union. Ce mirage de fusion des corps se résume, sans espoir, en avatar de superpositions charnelles... Mais, qu'en est-il des êtres ? Une claire verticale féminine dessine l'espace encore obscur, des jambes masculines s'approchent, oublieuses du corps singularisé jusque-là par le nom. Le regard ne se fixe nullement sur les bustes et les visages, car ce qui semble recherché est bien cet effacement de l'identité. Le danseur n'est plus identifiable comme individu, la danse l'aura renvoyé à la seule mobilité des formes. Deux jambes tournoient, n'en finissent pas d'achopper au contact, révélant autant d'obstination forcenée que de rêve invariablement échoué. La seule rencontre est celle de cette écoute, inaudible, impalpable, celle des corps et des intentions, celle de l'attention à l'autre. Jeu de rythmes, accélération, reprises de séquences gestuelles. Les corps s'éloignent, s'approchent, nous donnent à croire qu'ils se rejoignent pour répéter inlassablement la tension désirante, le fantasme de la fusion amoureuse. L'érotisme, dans ce premier tableau, réside dans l'espacement, comme condition du désir et mode d'apparition. Les corps, plus vite, s'ajointent, sans succès. Incarnation profane, amoureuse du noli me tangere, homme et femme s'affrontent à la radicalité la plus grande, l'altérité. Aucun espoir de rencontre, juste l'élan, toujours vain, de cela qui se rêve, s'incarne, sans jamais se rejoindre. La lumière tombe droite, plus intense, en averse drue maintenant jusqu'au sol. Les gestes se crispent, plus rapides. Ils signent la complexité des corps amoureux rapprochés autant que leur indéfectible étrangeté l'un à l'autre. Wagner est toujours présent, Tristan et Isolde n'en finissent pas de souffrir leur passion infinie parce qu'irrésolue. La même phrase dansée aura été ainsi déclinée, en un motif travaillé selon différentes vitesses. L'alternance plus rapide des postures fige ponctuellement en syncope les corps, qui se donnent au regard comme une succession de photogrammes. La métaphore cinématographique construit ainsi du rythme et prend des allures de fiction sur scène... Ce premier tableau joue de la prolepse, annonce discrètement l'opération de montage qui sous-tend ces Trois études de séparation. Mais quelles seront les deux suivantes ? Quelles modulations, quelles différences exposer ?

2. Luisance/ Une passion persistante

Avant le premier geste, le spectateur est surpris par la présence de deux banquettes noires sur la scène. Sont-ce deux divans de psychanalyste posés côte à côte, au plein centre du plateau ? On avisera. Pour l'heure, Céline Angibaud et Laurie Giordano entrent en scène. A nouveau, on est saisi par l'inquiétante étrangeté des costumes portés par les deux danseuses. Notre regard y relève un par un les liens et fines courroies qui rappellent les attaches des camisoles de force des aliénés, comme celles des belles hystériques de la fin du XIXè siècle. Corps désignés, par la découpe imposée au dessin des chairs comme à leurs volumes : les seins, le buste y sont isolés par des bandes de tissu, nous laissant hésiter entre la gaze médicale ou le tulle, employé à féminiser traditionnellement le corps dans un jeu convenu de séduction, voilant à peine ce qui se donne déjà au regard. Rapport du désir, pulsion scopique commune à l'art et à l'éros, relation de l'humain à ses émotions... Le tissu du vêtement, lui, est opaque, semble lourd et retombe en pans découpés sur les jambes, ainsi révélées au regard, à chaque mouvement. Alban Richard, pour Luisance, emprunte à la statuaire baroque comme à l'iconographie photographique de la Salpêtrière réalisée pour Charcot. De ces figures de pietà aux yeux blancs, révulsées vers le ciel, autrefois adulées par des foules de croyants, jusqu'aux visages grimaciers et tordus de ces femmes nommées « hystériques » par des hommes en mal de classification rationalisante, on ne voit qu'une seule et même intensité émotionnelle transitant infiniment dans le corps, imprimant à la surface des visages des plis, des mimiques, des rictus enfin, d'extase comme de souffrance, l'une et l'autre identique dans leur forme d'apparition . La danse est là, dans ce glissement incessant d'une formule pathique à l'autre, de la joie infinie, à l'effroi, à la colère. Arc hystérique ou corps cambré de plaisir, yeux effarés ou mi-clos, il n'existe aucune distinction. Les danseuses sont là, toutes deux, devant nous, le corps entier pris par l'inexorable continu des affects, en une accumulation qui ne se sédimente jamais, ni jamais ne se fixe. Flux d'acmés émotionnelles. Le très bel O Haupt voll Blut de J.-S. Bach entoure un instant les danseuses, puis discrètement s'éteint. La danse d'Alban Richard n'a besoin d'aucun étai, elle se tient, d'elle-même. Ces séquences « pathiques » s'enchaînent donc, et avec elles, notre attention. La banquette investie par le corps dansant, se fait piédestal, trône et redoublement de la scène elle-même : mise en scène de la scène, ou plutôt mise en abyme de la représentation. Du piédestal de la statue au cadre de la photographie des hystériques de Charcot, l'espace est toujours défini selon le regard que l'on conduit sans naïveté vers un objet. Ici, la scène se dé- et redouble en banquettes et plus rien n'appelle notre attention. La captation, la nôtre, a « lieu ». La construction temporelle emprunte à l'écriture musicale : le canon y est autant le modèle que le motif, subtilement modulé : on suit ainsi chaque corps tout en regardant simultanément les deux. Des retards, des accélérations, des moments de conjonction apparaissent et disparaissent sans cesse. Le jeu subtil de l'oscillation continue, entre phase et déphasage que mènent les deux danseuses, crée des effets d'étirement et de contraction du temps d'une rare efficacité. La durée ici se plie, se déplie, se multiplie, et les plissures mises au jour laissent apparaître des interstices temporels. Le regard du spectateur s'empare alors de deux moments distincts d'une même action. Il assiste à une forme d'avant-coup gestuel, puis observe sa réalisation, enfin relève ce qui demeure et se transforme après son achèvement, jusqu'à remarquer que la dégradation du premier geste donne naissance à ce qui suit : un après-coup annonciateur de l'avant-coup second qui va suivre immédiatement. Le glissando s'effectue, de la construction musicale en canon jusqu'à la chorégraphie d'expressions symptomales, dont la théâtralité qui – pour être exacerbée – n'a jamais rien d'ostentatoire. Luisance, lumière incomparable, fait palpiter continûment les intensités, signe leur existence, les (re)met au monde....Enfin, Lacis.

3. Lacis/ Petit Traité d'Erotomachie.

Des pans blancs viennent de tomber du plafond. Les deux interprètes féminines de Luisance se sont désormais absentées au regard. Sans violence ni rupture. Pas de suspens, pas de vide, car ce troisième tableau fait lien avec le précédent : les corps exposés, dentelés par le noir lacis du costume sur fond de chair jouent autant de la découpe que ceux de Luisance, mais cela jusqu'à l'excès, jusqu'à nous obliger à interroger ce qui fait corps. Le spectateur est donc conduit à redéfinir ce qui fait chair et profondeur, sur fond d'image corporelle découpée par l'entrelacs textile. Immédiatement, le paradigme formel du triptyque et son corollaire dentelé déjouent ce que le propos n'a de cesse de souligner : la disjonction inhérente à toute relation affective. Ainsi deux corps masculins, à l'instar d'un mirage en allé, s'exposent cette fois non pas sur le plateau mais projetés sur la surface blanche de cet écran impromptu, voile en partance pour nul autre horizon qu'une ultime étude de séparation. Un plan sur un visage qui se laisse identifier, puis s'estompe, le temps peut-être de reconnaître la fidélité du chorégraphe à ses interprètes, l'hommage réciproque à travers l'image projetée. De la temporalité de la pièce, on retiendra le motif structurant du canon, décliné pour le jeu qu'il favorise avec l'idée de montage. Cette conception finement mesurée a le grand avantage de mettre l'accent sur la liberté laissée au spectateur de réorganiser, dans le souvenir, l'ensemble. C'est là la première qualité du triptyque depuis toujours : la mémoire autant que l'oeil y circulent volontiers, s'appuyant sur l'effet de récit que chacun met en oeuvre. La structure permet donc le passage d'un tableau à l'autre, donne une unité à trois éléments qui interagissent tout en étant pleinement autonomes. Sur l'écran, les images se succèdent, se confondent, se rejoignent autant que les hommes : mouvements entrelacés, repoussés, réactivés pour s'incarner en deux corps rejoints dans la seule étreinte érotique. Comme en un jeu de focale, le regard s'amuse à se perdre dans l'évidence imposée du détail en gros plan, puis s'éloigne tout autant en plan large, jusqu'à recomposer l'unité du corps, jusqu'à se saisir aussi de la distinction, irrémédiable, des êtres. Alban Richard nous propose à travers cette troisième étude de séparation un subtil Traité d'érotomachie. Combat des corps aimantés, arrimés l'un à l'autre, et dont les mouvements mettent au jour une trame. Or qu'est-ce qui s'ourdit ici sur l'écran ? La mise en corps et en scène - visuelle- de la fiction. Fiction du désir, car toujours à évaluer à l'aune de sa propre expérience, fiction reconduite et ré-inventée à chaque processus amoureux, qui dit ce qu'il en est de l'inévitable construction de l'érotique, de cette véritable hantise du désir, celle-ci conjuguée aux pouvoirs de la scène comme du cinéma. Le spectateur fait l'expérience de voir ce qui n'a pas de matérialité pérenne sur scène, n'a a fortiori aucune réalité sur écran, mais offre une présence intensifiée au coeur du leurre qu'est l'image. La qualité paradoxale de l'image, entre présence et absence, est à même de traduire la nature complexe de la relation amoureuse. Alban Richard compose ici une oeuvre inscrite dans notre contemporanéité, par sa capacité à se saisir de nos propres interrogations comme à jouer avec celles appartenant à d'autres époques : ses Trois études de séparation témoignent d'une érotique de l'espacement, en conjuguant subtilement la plasticité de la danse à la puissance des images.

Edwige Phitoussi, hiver2010

Alban Richard, Trois études de séparation

Ecrans de DANSE — 2010-01-02T20:01:05Z

Alban Richard, une cohérence chorégraphique absolue

Alban Richard a présenté sa dernière création, Trois études de séparation lors du Festival d'Automne en Normandie. Cette pièce est, de fait, un triptyque dont on soulignera la rigueur et l'engagement du chorégraphe dans son désir de cohérence : de Lointain à Luisance, déjà salué en juin dernier au 104, jusqu'à Lacis, tout se tient, se conforte, se justifie.
D'ailleurs dans la rubrique Critique, vous pourrez lire une analyse approfondie de ce très beau triptyque. Luisance, pour sa part, sera présenté, lors de la huitième séance des Écrans de Danse, le 10 février 2010 à la Sorbonne (salle E655), à 19H30. Alban Richard viendra y discuter de son activité de chorégraphe, des principes constitutifs de cette pièce et de ce très beau triptyque qu'est Trois études de séparation.

Dates : Trois études de séparation : à L'Espal-le Mans, le 27 avril 2010/ LU-Nantes, le 4 mai 2010. Et enfin à la Biennale de Lyon du 22 au 25 novembre 2010
Luisance à Clermont-Ferrand, les 25-26 et 27 mai 2010.